In letzter Zeit habe ich faire Gespräche darüber gehört, dass wenn man als NFT arbeitet oder digital kreiert, es über ein statisches Bild oder ein Standard-JPEG hinausgehen sollte, und wenn nicht, sollte es einfach gedruckt und als physisches verkauft werden. Unabhängig davon, ob ich dem zustimme oder nicht, denke ich, dass dabei etwas Wichtiges übersehen wird. Vielseitigkeit. Ein großer Vorteil des digitalen Eigentums ist, wie vielseitig es ist, man kann es sofort transportieren, man kann sammeln, ohne durch Wände oder Stauraum eingeschränkt zu sein, die Kunst ist vor verschüttetem Wein oder ungewollten Funken geschützt. Nur weil man kein hochinteraktives Stück on-chain codebasierter Kunst kreiert, bedeutet das nicht, dass man diese Technologie nicht nutzt. Höchstens könnte ich eines meiner eigenen Kunstwerke in meiner aktuellen Wohnung unterbringen, wenn ich es ausdrucke, ich möchte die Grenzen des Raums nicht einem Sammler auferlegen. Ich nutze diese Technologie, damit der Maßstab meiner Werke keine Belastung wird. (Und was noch mehr ist, ich finde es ziemlich albern zu sagen, dass die Leute ihre Methodik oder ihr Medium ändern müssen, nur weil wir neue Methoden der Verteilung, Authentifizierung und Finanzierung haben. Stellt euch vor, wir hätten alle unsere Kunst geändert, als Fingerabdrücke oder Kreditkarten aufkamen, und wir hätten uns gesagt: „Jetzt müssen wir Kunst machen, die gewischt werden kann, oder die kleine goldene Chips zum Scannen hat, wir sollten alle sicherstellen, dass unsere Drucke und DNA auf der Rückseite sind…“ Schaut, wir sollten auf jeden Fall neue Potenziale in Betracht ziehen und erkunden, aber wir müssen nicht alle darauf reagieren, nicht jeder neue Weg erfordert, dass man von seinem aktuellen abweicht.)

Ich vertraue meinen Freunden, meine Arbeit in Stücke zu reißen... Wenn ich sie um Feedback bitte, werden sie mich nicht beschwichtigen, es wird keine falschen Höflichkeiten oder Lügen geben, es wird nur die Arbeit sein. Die Arbeit mit all ihren Fehlern und Ruhm, die Arbeit mit einem zugrunde liegenden Mangel, der erfordert, dass ganze Abschnitte neu aufgebaut und überarbeitet werden, die Arbeit mit ihrem Bedarf an kleiner Politur, die Arbeit, die sie persönlich nicht mögen, aber als einen Aspekt von Handwerk und Konzept verstehen. Sicher, wir können uns über die Schwere einiger dieser Fehler uneinig sein, einer von uns könnte glauben, dass das zentrale Gefühl der Arbeit in einer Schriftart besser kommuniziert wird als in einer anderen, wir könnten hin und her diskutieren über eine Begründung, die Klarheit im Endwerk. Aber wir reden, und das ist der Schlüssel, wir konzentrieren uns auf die Arbeit, wir zerlegen sie, damit wir sie besser verstehen können, und wenn nötig, sie anders wieder aufbauen. Wir sind offen für die Diskussion und bereit, daran teilzunehmen, auch wenn es unangenehm ist. Ich fühle mich sehr glücklich, solche Freunde zu haben, und habe mich bemüht, der gleiche Freund für andere zu sein. Aber es gibt einen Haken, den ich gefunden habe: Nicht jeder möchte tatsächlich Feedback, wenn er danach fragt. Sie wollen die Höflichkeiten, den falschen Ruhm und die übersehenen Fehler. Sie sind nicht in der Lage, harte Fragen zu ihrer eigenen Arbeit zu stellen, also fallen sie (und oft die Arbeit) natürlich unter solchem Fragen. Jetzt missversteht mich nicht, wir alle brauchen ab und zu ein wenig Hype, die Welt haut uns viel zu oft um, als dass wir keine Freunde haben sollten, die uns wieder aufhelfen, ich sage nicht, dass man keine Momente haben kann, in denen man einfach möchte, dass jemand einem sagt, dass man großartig ist. Aber auf lange Sicht, wenn man vermeiden möchte, so oft so weit unten zu sein, ist es ein notwendiger, wenn auch unangenehmer Schritt, zu verstehen, warum und wie man fällt. Die Bedeutung, diesem Kritikprozess ausgesetzt zu sein und daran teilzunehmen, ist etwas, das ich oft in diesem Raum wiederhole. Als ich Grafikdesign studierte, war die erste Aufgabe, die wir an der Universität hatten, an diesem ersten Tag mit einem Stück Arbeit zu erscheinen (das Briefing dafür war einfach ein A3-Kunstwerk, das sich auf einen Kreis konzentrierte). Zunächst dachten wir, es sei nur eine Standardaufgabe: "Lasst uns sehen, wer die E-Mail gelesen hat und welche Programme ihr alle nutzen könnt." Aber wir wurden tatsächlich in Gruppen von 10 aufgeteilt, im Kreis angeordnet und aufgefordert, unsere Punkte einander zu präsentieren und dann die Person gegenüber zu kritisieren. Jetzt bin ich eine sozial unbeholfene Person, also war dies meine allererste Universitäts-Erfahrung (außer übermäßigem Trinken am Wochenende zuvor) verdammt furchterregend, um es direkt zu sagen. Aber wir waren alle auf gleicher Augenhöhe, und es gab nicht wirklich eine Fluchtmöglichkeit, also gingen wir im Kreis herum. Einige Leute sträubten sich, obwohl alle zustimmten, dass ihre Idee nicht funktioniert hatte, einige machten Ausreden, weil sie ihre auf A4 statt A3 druckten, einige nahmen es gelassen und machten weiter, ein Mädchen sagte mit aller Ernsthaftigkeit: "Du verstehst es einfach nicht." Aber als die Übung weiterging, hatte ich das Gefühl, dass die Mehrheit von uns den Wert und die Notwendigkeit darin erkannte. Wenn du eine Idee nicht vor einer Gruppe deiner Kommilitonen präsentieren kannst, wie wirst du dann dieses Kunstwerk deinen Tutoren vorstellen, geschweige denn einem echten Kunden? Wir durchliefen diese "Expositionstherapie", denn die Fähigkeit, die Arbeit zu depersonalisierten, sie mit harten und sanften Augen zu betrachten, Fragen zu stellen, ist entscheidend für Grafikdesign. Aber ehrlich gesagt, ich denke, es ist entscheidend für jede langfristige Kunstpraxis als Ganzes, was mehr ist, ich denke, es ist ein Kernprinzip einer gesunden Kunstbewegung oder eines breiteren Raums. Schau, ich verstehe es, niemand möchte hören, dass sein Zuhause zusammenfällt, aber das Ignorieren oder Streiten mit dem Statiker wird die Tatsache nicht ändern, dass es eine Sanierung benötigt, und vielleicht, wenn du bereit gewesen wärst, früher nach ihrer Meinung zu fragen, wäre die Arbeit nicht so umfangreich oder schwierig gewesen. Also finde Künstler in dem Raum, den du respektierst, die eine gewisse Verbindung zu deinem Medium oder Konzept haben, die dir eine informierte Meinung geben können. Ich sage nicht, dass du ihr Wort als Evangelium nehmen musst, tatsächlich könnten die Fragen, die sie zu deiner Arbeit stellen, einfach dein Vertrauen in die Entscheidungen, die du getroffen hast, stärken, aber du wirst es nicht wissen, es sei denn, jemand fragt. In diesem Sinne übe, diese Fragen an deiner Arbeit und an anderen zu stellen, je mehr du Dinge auseinander nimmst, desto mehr verstehst du, wie sie zusammengehören. Kurz gesagt, finde gute Freunde, mit scharfen Augen, nachdenklichen Zungen und offenen Ohren. - Danke an @exchgART und @bonk_inu Art Masters, dass sie uns geholfen haben, einen besseren Kunstraum zu schaffen.

Das Leben war in den vier Jahren, seit ich in diesem Bereich bin, sicherlich einzigartig. Ich habe gleichermaßen Dankbarkeit für das, was war, und für das, was mir dieser Bereich gegeben hat, sowie Frustration darüber, was wir sein könnten und was wir alles mit diesem Bereich tun könnten. …es gibt wahrscheinlich ein deutsches Wort dafür.